|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
 |
«Основные направления» - выражение достаточно условное. Основными они - импрессионизм, кубизм, супрематизм и ташизм - являются в рамках предлагаемой методики и на мой личный взгляд художника и арт-терапевта. Каждое из этих направлений вносит очевидно новое не только в изобразительную часть творчества, но и формирует ранее не существовавшие цели и задачи живописи, в корне меняя устоявшийся способ восприятия полотен рядовыми поклонниками прекрасного. Трансформация укоренившегося – вещь болезненная. Консерватизм, как правило, побеждает. Огромный пласт художественного наследия и новые тенденции остаются непонятыми из-за элементарной неподготовленности зрителя. Не реалистическое искусство требует не просто созерцательности, а соответствующих знаний и работы мысли. Предметно столкнувшись, лично опробовав каждое из этих направлений, «изнутри» поняв суть, студийцы сращиваются с авангардом, начинают видеть недоступное многим, появляется желание дальнейшего (уже самостоятельного) изучения темы. Выбор же способа выражения себя – реализм, абстракционизм, экспрессионизм…- всегда остается за автором.
Занятие состоит из трех учебных дней.
Материалы: ватман А-3, простые карандаши, ластик, кнопки или скотч, доска или лист оргалита 35х45см, гуашь, кюветы, кисти, баночки для воды, тряпочка, халат (фартук).
Существует множество научных и популярных работ на данную тематику. Можно рассказывать часами и продемонстрировать массу достойных и очень интересных произведений. Но лучше недогрузить, чем перегрузить, особенно в условиях арт-терапевтического класса. Упор должен быть сделан на практические занятия, которые помогут лучше усвоить теоретический курс. Задача преподавателя кратко, но наиболее эффективно донести ученикам основные причины появления (как следствие, временные рамки) и принципы направлений, их характерные особенности, познакомить с ключевыми представителями и привести примеры из их творчества (иногда изначально вплоть до табличного варианта). При заинтересованности вопросом студиец всегда сможет найти достаточно материала для более детального изучения или преподаватель может с ним провести отдельный экскурс.
Импрессионизм (от французского слова impression – впечатление), последняя треть 19 – начало 20 века. Именно в это время реактивное сопротивление академизму, обусловленное общим стремлением к прогрессивному совершенствованию и тотальному преобразованию, качественным изменением условий жизни (в том числе развитие искусства фотографии, кинематографа) и морально-этических требований (ослабление религиозного воздействия, эмансипация и т.п.), достигает своего апогея. Все предпосылки для возникновения нового направления созданы, и оно появляется - во Франции в 1860 году в студийных работах (сделанных в помещении): жанровые сцены, портреты. В 1870 – 80 годах импрессионизм осваивается во французском пейзаже, подход к работе над которым, коренным образом трансформирован. Сформирована последовательная система пленэра: выполняется на открытом воздухе, размытые контуры передают вибрацию воздуха, цветные тени и рефлексы, сложные тона раскладываются на чистые отдельными, рядом положенными мазками, рассчитанными на оптическое смешение их в глазу зрителя.
Для этого стиля характерно естественное и объективное изображение мира в его изменчивости и подвижности, фиксация мимолетных впечатлений. Для наиболее реальной передачи «жизненных моментов» художники отказываются от академических принципов композиции. Приоритетными становятся случайные движения и ситуации, кажущаяся неуравновешенность, фрагментарность, неожиданные точки зрения, ракурсы, срезы фигур. И в самом деле, мы иногда замечаем человека, когда он уже наполовину скрылся за дверью или видим здание лишь боковым зрением «где-то там, в углу».
Импрессионизм открыл миру много интересных имен, но основоположники и наиболее яркие представители – Э. Мане, Э. Дега, О. Ренуар, К. Моне. Приведенные далее в качестве примеров работы, иллюстрируют не только творчество признанных мастеров в свойственных им манерах, но и все вышеизложенные типичные признаки направления.
Эдуард Мане «Полковой флейтист»
(Эту картину считают открывающей эру импрессионизма)
Эдгар Дега «Балерина. Реверанс»
Огюст Ренуар «Портрет актрисы Самари»
Этюд
Огюст Ренуар «Бал в «Мулен де ла Галет»
«Руанский собор. Вечер»
Клод Моне
«Стог сена в Живерни»
«Маки»
Импрессионизм, думаю, никто не будет с этим спорить, эпохальное событие в мире живописи. Запреты попраны и отменены, дорога для экспериментов расчищена, художники свободны в своем волеизъявлении и, тем не менее, сам по себе импрессионизм еще очень близок к классическому реалистическому искусству: вполне читаемы предметы, есть определенная объемность, перспектива, передача присущего объектам цвета (О. Ренуар, Э. Дега). Кардинально по-иному выглядят полотна, представляющие следующую важную ступень в развитии искусства – кубизм.
Кубизм – первая четверть 20 века. Как «чистое» направление развивался в основном во Франции (в других странах, в том числе и в России, большей популярностью пользовался кубофутуризм, получившийся при слиянии кубизма и футуризма). Основателями считаются П. Пикассо и Ж.Брак. Предмет как визуальный образ начинает терять свою привлекательность для художников. На протяжении многих веков объект на холсте продолжал оставаться таким же, как и в жизни, и именно - объектом. Импрессионисты видоизменили его отображение, но «психология» предмета, его «жизненная позиция, история» оставались нетронутыми. Зрителю предлагалось просто получать эмоциональное впечатление от предмета, но «вне его». Тем временем ритм жизни усложнялся, ускорялся, теряя свою плавность и созерцательность, требуя от человека напряженной работы не только в области чувств, но и в мыслительной деятельности. Вот эту первичность мысли, познания сути, объективность субъективности во всей ее простоте и хотели отобразить в своих работах кубисты. Принципом стало разложение формы на элементарные составляющие (куб, шар, конус и т.п.). Кроме того, предмет изображался не целиком, а частями и не с одной, а сразу с нескольких точек зрения. Художники стремились увидеть объект единовременно во всей его полноте, в четырех измерениях, не только снаружи, но и изнутри, но в результате он рассыпался на осколки, распадался на грани.
Характерной особенностью кубизма является отсутствие цветовой палитры. Использовались только коричневый, черный и серый тона. Это делалось специально, чтобы не будить эмоциональную составляющую и не отвлекать от познания предмета.
Пабло Пикассо «Бидон и миски»
Для данного, как его принято называть «аналитического», периода в искусстве свойственен распад формы при сохранении объемности деталей.
Пабло Пикассо
«Завод в Хорта де Сан Хуан»
Жорж Брак
«Кларнет и бутылка вина на камине»
Несмотря на упомянутое выше увлечение русских художников кубофутуризмом, среди созданных в то время произведений встречались и просто кубистические. Как, например, чрезвычайно показательная, эстетичная работа учившейся в 1912-1913 годах в Париже в мастерской кубиста Ле Фоконье Любови Поповой «Кувшин на столе».
Любовь Попова
«Кувшин на столе»
Любовь Попова
«Человек + воздух + пространство»
Кубизм привнес новый взгляд на предметное искусство, но, тем не менее, не смог разделаться с предметностью вообще. Предмет остается объектом исследования живописцев, сохраняется его объемность и даже, пусть сильно преображенная, форма. Супрематизм уничтожил предмет как факт, тем самым, положив начало беспредметному искусству.
Впервые термин «супрематизм» был введен Казимиром Малевичем в 1913году. Кубизм и футуризм, начав разрушать предметную форму, открыли возможность полного отказа от нее. Настал момент рождения живописи ради живописи, а не ради объекта, его изучения или отображения - «первый шаг чистого творчества в искусстве». Казимир Северинович писал: «Наш мир искусства стал новым, беспредметным, чистым. Каждая форма свободна и индивидуальна. Каждая форма есть мир. …Я развязал узы мудрости и освободил сознание краски».
Для раннего, только родившегося, супрематизма типично сочетание окрашенных простейших геометрических фигур (квадрат, круг, треугольник). Соприкасаясь друг с другом, после общей тонировки эти элементы иногда объединялись в более сложные конфигурации– трапеции, многоугольники. Как и всякое живое образование, супрематизм изменялся с течением времени, вплоть до появления объемных «архитектонов» на плоскостном фоне, однако в контексте данной методики важна его начальная стадия, как отправная точка абстрактного искусства.
Появившись в России, направление, прежде всего, было поддержано отечественными художниками: О. Розановой, Л. Поповой, И. Клюном и др.
Казимир Малевич
«Синий треугольник, черный квадрат»
Ольга Розанова
«Беспредметная композиция»
Иван Клюн
«Супрематическая композиция»
Супрематизм помог беспредметности получить законное право на существование в искусстве, но он также косвенно поддержал развивающийся параллельно с ним экспрессионизм – направление, возникшее в Германии и провозгласившее единственной реальностью субъективный духовный мир человека и его выражение. Однако в супрематизме еще прослеживается закономерность построения композиции, а в экспрессионизме наблюдаются предметные образы. Постепенно сливаясь, эти два направления образовали абстрактный экспрессионизм и, как квинтэссенцию беспредметной алогичности – ташизм. Остановиться на нем необходимо хотя бы потому, что эта «живопись в кубе», долгое время вообще не рассматривалась в нашей стране как искусство. На самом же деле это чрезвычайно гибкий непростой стиль, требующий действительной художественной одаренности, необыкновенной интуиции, нестандартного творческого внутреннего мира и полного раскрепощения художника, что достаточно сложно. Только при объединении всех перечисленных составляющих рождаются совершенные произведения.
Ташизм - течение в западноевропейском абстракционизме1950-60х годов.Человек, устав от войн, технического прогресса, познавательно-логических изысканий и аналитического осмысления субъективного бытия, оказавшись преисполненным раздирающими его эмоциями и знаниями, попытался от всего этого освободиться, как-то передохнуть. Самым естественным оказалось просто «выключить мозги и отдаться процессу». Обоюдно: художнику – творя, зрителю – созерцая. Вот он элементарный принцип ташизма: живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника.
Характерно, что пятна наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана. Иногда набрызгом или выдавливанием краски из тюбика.
Наиболее полно направление представлено в работах Х. Хартинга, П. Сулажа, Дж. Поллока.
Ханс Хартинг «Композиция»
Пьер Сулаж
«Живопись 29 июня 1953 год»
Пьер Сулаж
«Живопись 1967 год»
Джексон Поллок «Сближение»
Подводя итог, можно представить вышеизложенный материал в виде схемы:
2. На листе ватмана (формат А-3), поделенном на 4 части или на 4 листах ватмана (формат А-4 каждый) выполнить рисунки несложного предмета (дерева, груши, чашки и т.п.) в стилистике каждого направления, соблюдая временную последовательность, отраженную в схеме. Предварительно на отдельном листе нарисовать данный предмет в реалистичном стиле. Необходимо отметить, что предмет как предмет изображается только в импрессионизме и кубизме. В супрематизме это будет «плоскостная композиция на тему дерева». В ташизме: эмоции на холсте, изначально, возможно, как-то связанные с упоминанием дерева и выполнением предшествующих заданий, но при завершении рисунка, обыкновенно, теряющие «древесные мотивы» и в наброске и в сознании художника. Работы (за исключением импрессионистической) могут исполняться как в полихромной, так и в монохромной графике.
ПРИМЕРЫ
Рисунок М.А.
«Дерево»
Рисунок М.А.
Импрессионизм
Рисунок М.А.
Кубизм
Рисунок М.А.
Супрематизм
Рисунок М.А.
Ташизм
Домашнее задание
1. Повторить материалы лекции по основным направлениям в искусстве, прочитанной в студии, по конспектам, выданным преподавателем.
2. На листе ватмана (формат А-3), поделенном на 4 части или на 4 листах ватмана (формат А-4 каждый) выполнить рисунки другого несложного предмета в стилистике каждого направления, соблюдая временную последовательность, отраженную в схеме, ориентируясь на работы, нарисованные в мастерской. Предварительно на отдельном листе изобразить данный предмет в реалистичном стиле. Предмет может быть выбран как самим учеником, так и задан преподавателем.
Материалы: ватман А-3, простые карандаши, ластик, кнопки или скотч, доска или лист оргалита 35х45см, гуашь, кюветы, кисти, баночки для воды, тряпочка, халат (фартук).
Этапы
ПРИМЕРЫ
Рисунок С.Р.
«Лето»
Рисунок А.С.
«Комар»
Домашнее задание
1. На листе ватмана (формат А-3) выполнить рисунок в стиле «супрематизм». Дать название.
2. На листе ватмана (формат А-3) выполнить рисунок в стиле «импрессионизм». Дать название.
Рисунок С.Ш.
«Супрематизм»
Рисунок Л.Т.
«Тюльпаны»
Материалы: ватман А-3, простые карандаши, уголь, сангина, ластик, кнопки или скотч, доска или лист оргалита 35х45см, гуашь, акварель, чернила, тушь, кюветы, кисти, баночки для воды, тряпочка, халат (фартук).
ПРИМЕРЫ
Рисунок М.А.
«Лицо»
Рисунок С.Р.
«Береза»
Рисунок А.К.
«Ночь»
Рисунок И.Ф.
«Рыбаки»
Рисунок Ел.М.
«Апрель»
Рисунок О.С.
«Друг детства»
Рисунок И.К.
«Портрет»
Рисунок Е.М.
«Движение»
Завершающее 1 этап 1 программы занятие помогает ученику почувствовать себя самостоятельным автором, способным работать без подсказок и «оглядываний» в той манере, теми материалами и с такими сюжетами, которые ему наиболее близки. Теперь, зная и умея «как надо», начинающий художник вполне может себе позволить работать «как я вижу», и «как я хочу». Правда, это только начало пути. Многие темы, такие, например, как «Человек», «Животные», еще не изучены, каких-то («Пейзаж») только коснулись, есть еще много не освоенных техник, но «азы» заложены и, при желании, можно двигаться дальше.
«Наши методы психотерапии – не какие-то манипуляции, они имеют отношение к мировоззрению, согласно которому один человек ничуть не меньше всего человечества».
Г.М. Назлоян
В течение многолетней практической работы используемые методики корректировались и совершенствовались. И продолжают, не то чтобы улучшаться, а просто качественно меняться, так как творчество живой процесс, а жизнь не стоит на месте. Новые технологии, новые материалы, новые взгляды… Но базовый «Общеобразовательный» этап 1 программы «Обучающей арт-терапии», который в основном и представлен в данной публикации, тем не менее остается обязательной мало трансформированной основой всего «Классического» метода. Несмотря на жесткие, предполагающие определенное подчинение заданным рамкам слова «обучающая», «общеобразовательный», «обязательный», легко индивидуально адаптируемый курс чрезвычайно мягко приводит ученика к весьма достойным результатам, минуя обычные для начинающих авторов моменты неверия в себя, желания бросить все из-за «отсутствия таланта», невозможности найти «собственный почерк» и прочие терзания, сопровождающие становление творческой личности. Возможно со мной кто-то не согласится: «На то оно и творчество, чтобы мучиться и в муках рождать… А в других условиях истинное произведение искусства никогда… Еще Лев Николаевич Толстой говорил…» Да, доля неудовлетворенности должна быть – это своеобразный движитель вперед, но только доля. Так как, если в соответственно созданных условиях наивно убежденный в собственной бесталанности художник все бросит, то шедевра тоже не будет. Не все же такие адепты, как Ван Гог, котрый в результате тоже не выдержал, да так страшно … На мой взгляд, искусство все таки должно приносить людям радость и избавление от драматического хаоса существования. И творящему, и созерцающим.
